VIGÉSIMO CUARTO CAPÍTULO: UNA (VERANIEGA) VISITA AL VIDEOCLUB:

Sí, ya no existen los videoclubs de barrio que conocimos (muchos) años atrás, ahora todo es online o está en la "red" o se descarga o es "podcast" o en "streaming"...

Para este capítulo rescato del pasado mi colección de viejas cintas de VHS con grabaciones caseras de las películas que más me gustaban de las que daban por televisión. He de decir que todas las grabaciones van con su correspondiente carátula, manufacturada artesanalmente y su muy conveniente "pause" para suprimir los (abundantes) cortes de publicidad. Rebobinadas y etiquetadas.

Puede que muchas de ellas tengan ya (casi) treinta años, lo cual dice mucho de mi edad.

Rondaba el año 1990, muchas de esas carátulas para las fundas de videocasetes puede que sean de la franja comprendida entre los años 1989 al 1993 o 94, la mayoría de ellas realizadas cuando cursaba bachillerato o (BUP) como se le conocía entonces, justo antes de comenzar mis estudios de Bellas Artes madrileños..., creo que en 1993 estaba ya en primero de carrera...Mucho tiempo ha pasado ya desde entonces.

El caso es que en aquella época me entretenía dibujando y pintando carátulas para las cintas que más me gustaban de las muchas grabaciones en vídeo de películas que emitían por la televisión. Casi todas ellas estaban realizadas con témperas o gouache, que siempre ha sido una de mis técnicas al agua favoritas, como podéis comprobar en el blog, también tienen toques con lápices de colores y rotuladores.

Tengo todo un catálogo:

Bueno, algunas tienen truco, un truco de casi treinta años de duración, me explico:

Algunas de las carátulas de varias de mis pelis favoritas las había dejado inacabadas, confiando que algún día tuviera el tiempo o las ganas suficientes para terminarlas. Tenían realizadas la portada delantera y el lomo (con el lateral terminado quedaban muy bien en la estantería dando la sensación de que estaban completas), pero no tenían la parte trasera o carátula posterior como toda buena cinta o caja de videocasete VHS debía tener. Y la verdad es que eran de las mejores películas, estamos hablando del "Alien; el octavo pasajero" de Ridley Scott, "Aullidos" de Joe Dante, "Corazonada" de Coppola, "Link" (una de mis películas con simio preferidas) o "Trauma" de Darío Argento.

Lo cierto es que lo guardo todo, y aunque dormían ya durante muchos años almacenadas y llenas de polvo en un trastero, he decidido, casi treinta años después, recuperarlas y terminarlas como si de un Real Retrato se tratara, sólo que mucho mejor pintado...

Empezaré por la carátula de "Alien, el octavo pasajero". Puede que realizara la portada delantera y el lateral por el año 1990 u 1989, seguro que estaba en primero de BUP. La parte antigua está realizada con témperas, lápices de colores y rotulador negro. Un trabajo minucioso, ahora tengo peor vista, sería incapaz de escribir esos minúsculos créditos de la portada delantera.

Para la parte trasera he recopilado unos magníficos primeros planos (muy del gusto del director) iluminados con una fotografía de corte expresionista que tan artie queda siempre. Desde entonces, cualquier película de terror con ambiciones medianamente artísticas está siempre iluminada en clave baja con una fotografía bien contrastada. Aquí se nota, para bien, su larga experiencia publicitaria previa. Debemos recordar la preciosista fotografía de la anterior y memorable "Los Duelistas".

Dibujo a lápiz de grafito recortando y delimitando los planos de luces, medios tonos y sombras que dan cuerpo a los retratos. Como siempre, utilizo gouache aplicado con un pincel de pelo sintético del nº4, más o menos y empiezo con los tonos más oscuros. Mezclo negro con rojo o carmín, en menor proporción, y azul cian para conseguir un negro frío y azulado que le va a venir muy bien al alien en cuestion...

He de comentar, que poco a poco, sobre la mezcla anterior, voy añadiendo progresivamente azul cian y blanco para conseguir tonalidades más claras. Para realizar las mezclas utilizo una superficie no absorbente, en este caso un azulejo sobrante de obra que tenía por ahí. Lo malo de este material es que es muy pesado y frágil, lo bueno, que es muy sencillo de limpiar y poca cosa más. Si tenéis una superficie de pasta dura o metacrilato os servirá, creo, mucho mejor.

La criatura Alien es en líneas generales muy oscuro y por lo tanto es lo más fácil de pintar, dejo algunas zonas en blanco para recrear los brillos y reflejos.

Para las carnaciones del aterrorizado rostro de Ripley (tiene al xenomorfo encima) añado negro y rojo bermellón a partes iguales, rebajando dicha tonalidad con ocre amarillo y cian a discreción. También voy añadiendo poco a poco blanco para lograr tonalidades más claras.

Es interesante no pasarse de rojo o de tonos anaranjados en los rostros, yo siempre recurro a un azul o violeta para colorear las medias sombras y compensar tanto tono cálido. Matizan muy bien y creo que el resultado es bastante óptimo.
Para el personaje de Harry Dean Stanton, es decir, Brett, creo recordar que es la segunda víctima de Alien, utilizo básicamente los mismos tonos que para Ripley. Añado un pequeño video en "Time-Lapse" de un fragmento del proceso de coloreado:

Qué se puede decir a estas alturas de una película como "Alien". Pues que Ridley Scott ofreció aquí una de sus mejores películas (debe de ser complicado para la carrera de cualquier director comenzar prácticamente en el mundo del cine con un clásico indiscutible). En cualquier caso lo que es indudable es el enorme talento de Scott para ilustrar con bellas imágenes cualquier material que cae en sus manos, con especial atención a los mundos de fantasía o ciencia ficción, que es donde, en mi humilde opinión, ha dado lo mejor de si. Creo que las mejores secuelas de "Alien, el octavo pasajero", aún con sus defectos, son las dirigidas por Scott, el magnífico díptico (esperemos que sea una trilogía, aunque lo dudo mucho) de "Prometheus" y "Alien, Covenant". Lo siento, Cameron, pero la tuya (que me encanta) va un poco a su bola y aunque el ritmo y la acción son trepidantes e insuperables, carece del magnético poder iconográfico y expresivo que desprenden las imágenes filmadas por Ridley Scott, de sus exquisitas texturas y atmósfera. Además de sus siempre estimulantes, aunque resulte a veces un poco pedante, citas cultas y literarias. Ridley Scott es un director mucho más leído y culto que James Cameron (tebeos y mangas mediante, que tampoco está nada mal, digo yo)


Ahora le toca el turno a una cinta de mucho, muchísimo menor calado que Alien. Me refiero a la modesta pero simpática película de horror con hombres lobo producida por Roger Corman y dirigida por (el tristemente olvidado) Joe Dante, "Aullidos" de 1981.

Primer estado, casi original, de la carátula

Como se puede comprobar en la imagen superior, en 1989 dejé pintadas la portada delantera (reproduciendo el magnífico cartel original de la película) y el lomo. Todo trabajado con témperas y unos toques, los créditos de la parte inferior, con lápiz de color blanco. En la parte posterior había empezado a dibujar y pintar con tonos grises la cabeza de uno de los hombres lobo de la película, las caras de la derecha y la de Dee Wallace (sí, la mamá de E.T.) son un añadido nuevo, es decir, de la semana pasada, treinta años después del trabajo original. 

Me encanta haber podido terminar esta carátula, la peli es de mis favoritas de terror de toda la vida. Socarrona, divertida, muy referencial, estamos hablando de una película de Joe Dante, los personajes se apellidan con nombres de famosos directores de cine de terror clásico (Fisher, Kenton...) y los monstruos tienen un tono decididamente "cartoon".

Para no repetirme, el proceso es muy parecido al de la funda de "Alien", comentaré de manera más abreviada esta ilustración. Aquí he optado por una tonalidad cálida. He partido de un tono marrón oscuro creado a partir de negro y rojo bermellón y lo he mezclado con ocres, rosas y violetas claros. 
Aquí tenéis un "Time-Lapse" de un fragmentos del proceso:

Mitad paleta de colores, mitad ilustración. Las mezclas de colores de la paleta dan el ambiente cromático de la ilustración.

Me gusta mucho el lobo feroz, el retrato de Dee Wallace a punto de transformarse en (patética) mujer loba no ha quedado mal.

"Aullidos" es un film muy agradable de ver, convenientemente caricaturesco en su modestia, es una visión a la vez esperpéntica y satírica del mundo de la televisión, los informativos y sus vericuetos. Dee wallace (pre E.T.) es una intrépida reportera en busca de carnaza para rellenar un noticiero por las sórdidas calles de la gran urbe donde se encontrará, cómo no, con un lobo que se ha perdido en la ciudad, retratada ésta sin ningún asomo de glamour ni encanto, toda ella pútrida y corrupta, llena de sexshops y chaperos. Ni unas terapéuticas vacaciones, con receta médica, en una comuna anclada en un paradisíaco paraje en el campo, podrá salvar a nuestra heroína del trauma. Si a todo esto le añades los cameos habituales de la tropa del director, unos barateros aunque tremendamente eficaces trucos y efectos de maquillaje (del genio de Rob Bottin), una aulladora música de Pino Donaggio y a un inspirado y socarrón John Sayles en el libreto, obtendremos un clásico menor, pero clásico del cine de terror de bajo, muy bajo presupuesto. Recomendable para una medianoche veraniega en Dantesco programa doble con "Piraña". Hay que olvidar todas las numerosas secuelas de la película, por realmente espantosas, todas ellas.

Algunas carátulas más:

"Corazonada" el mítico batacazo financiero de Coppola. Película de indudable calidad audiovisual.

"Link", dirigida en 1986 por (el también olvidado) Richard Franklin es una estupenda película de suspense y terror con protagónico animal desquiciado. En este caso un simpático orangután, que el director sabe presentar como inquietante y vengativo simio aficionado al fuego. Por ahí existe el dicho cinéfilo-popular de que "no hay película con mono que sea mala", divertida afirmación que no sé muy bien si será cierta ("King Kong vive", "El Planeta de los Simios de Burton") pero que queda confirmado plenamente con esta película. De cuidada ambientación y fotografía, tiene unas muy bien planificadas escenas de tensión, el director a través de recursos visuales y de puesta en escena (mucha steady-cam para los travellings subjetivos desde el punto de vista de los animales), sabe recrear el peligro y la sensación de amenaza, a la que no es ajena tampoco la partitura para sintetizadores y orquesta compuesta por un gran Jerry Goldsmith. 
Grabada de la televisión en 1991 en un programa mítico de los viernes por la noche en la primera cadena de televisión española, "Alucine", que presentaba la espigada figura de Narciso Ibáñez Menta (el Peter Cushing hispano) padre de "Chicho" Ibáñez Serrador. Toma nostalgia.

Una jovencita Asia Argento es la protagonista del film de su padre "Trauma"

Es posible que "Trauma" sea la última carátula para VHS que pinté. Es la más moderna, será de 1994 y como las demás que dejé inacabadas tenía la portada delantera y el lateral terminadas a falta de la portada posterior. Pues bien, ahí va.

He de admitir que me gustan mucho las películas de Argento, "Trauma" dista mucho de ser de las mejores, pero todavía tenía atmósfera y un refinado y rebuscado sentido de lo macabro. Lejos quedaban sus obras más conseguidas, "Rojo oscuro" Y el colorista y surreal díptico formado por "Suspiria" e "Inferno". Experimentos formales tan absurdos e incoherentes en lo narrativo, como fascinantes en lo audiovisual, de densa y desquiciada atmósfera.

Un poco de música para acabar este capítulo. Algo Indie vendrá bien:

Estupenda canción "Masterpiece" del grupo "Big Thief"

Capítulo decimonoveno: "Un certamen literario, un par de retratos cinéfilos, The Lynch mob y dieciocho reflexiones acerca de Alien de Ridley Scott"

   Hoy presento una pequeña ilustración que tuve el placer y el honor de realizar para el cuadernillo de textos premiados en la "XLIII edición del Certamen Literario María Agustina de Lorca 2017", que se celebró el pasado 19 de Mayo en el Teatro Guerra.
   Está realizada con lápices de grafito de distintas durezas sobre papel Ingres en formato de 23x16 cm. Lleva también algunos toques de gouache blanco, azul y rosa, para realzar las figuras del fondo.

   Empiezo el encaje del dibujo con lápices duros, 2H, sin apretar mucho, voy situando los elementos, para después definir las formas y las sombras con un HB, profundizando en los oscuros con un 4B. Intento usar tramados de líneas siguiendo el volumen de las figuras, sin difuminar. Por último, como se puede apreciar en la imagen de arriba, he perfilado los contornos con suaves toques de gouache azul claro, rosa "apastelado" para los pétalos y blanco para las flores, pequeños toques de gouache blanco para las pupilas de la modelo...

   La anterior es una imagen del estado previo a la aplicación del sombreado con lápiz blando 4H, (la marca Staedtler ofrece muy buena calidad) se puede apreciar en la silueta de las aves y el cabello y rostro de la modelo. El resultado final, con la imagen impresa en el cuadernillo, es el siguiente:

   A continuación muestro dos retratos cinéfilos realizados con carboncillo sobre papel Ingres, su tamaño es de 46x32 cm. El primero corresponde a la película de Andréi Tarkovski de 1979, "Stalker", estrenada en España como "La Zona", se trata de una enigmática pose de uno de los personajes principales, interpretado por el actor ruso Anatoly Solonitsyn, habitual de la filmografía de Tarkovski.
   El segundo corresponde a un fotograma de una indefinida película japonesa de fantasía heroica, desconozco el nombre del film y del actor que lo interpreta, pero me impactó su expresión, mezcla de ira, perplejidad y cierta melancolía. Espero haber captado toda su fuerza expresiva. He añadido dos estados, el primero sin fondo, es decir con el fondo blanco del papel y un segundo tratamiento, en el que he pulido algunos elementos del rostro y el ropaje, además de sombrear el fondo, difuminando la parte derecha para que se funda con el extraño peinado del personaje. tiene además algunos toque de lápiz pastel gris y blanco y unos puntitos de gouache blanco en los ojos, para darle vida..., algunas gratuitas manchas de gouache en el fondo.

   El siguiente es un dibujo a carboncillo sobre papel Ingres de 100x70 cm. Lleva también algunos toques de lápiz pastel blanco y gris. Lo que me interesaba de este desnudo era el degradado tonal que se establece de arriba a abajo en la figura, más claro en la zona superior, hombros y pecho, que progresivamente se va oscureciendo por el abdomen hasta llegar a las piernas, también es muy interesante el sutil movimiento que tiene la pose, bastante difícil de reflejar, por cierto. Importante el juego de hombros, en ángulo de 15º con la horizontal y las piernas desplazadas en línea recta una sobre la otra. Al principio no iba a concretar el rostro, lo iba a dejar emborronado, sin definir, pero, finalmente..., creo que le resta expresividad a la pose.
   Resulta curioso comparar este desnudo, de tratamiento delicado y académico, realizado hace unos pocos días, con el que muestro a continuación, mucho más expresivo y suelto, que data, creo recordar, de 1995, cuarto de carrera, Dibujo del natural, en la facultad de Madrid. Además de carboncillo, creo que lleva pigmento negro, grafito, barra de carbón prensado y barra de sanguina!...

 

 

 

Y ahora un poco de cine:

 

"The Lynch mob"

 

 

   Debo decir que el término "The Lynch mob" lo acuñó el genial Guillermo Cabrera Infante en el artículo sobre David Lynch en la revista "El Paseante" (1) a propósito del descomunal éxito de la serie Twin Peaks en los albores de los años noventa del siglo pasado. En este estupendo artículo, el escritor establecía un delirante paralelismo entre los seguidores del capitán Lynch (llamados Lynch mobs), esclavistas y practicantes de linchamientos indiscriminados y asesinatos varios en la época más oscura y amarga de segregación racial en los Estados Unidos, con lo que él llamaba los Lynch mobs de nuestra era, es decir, todos aquellos acérrimos del director David Lynch que hacen cola en las salas, ávidos de atmósferas enrarecidas, oníricas sensaciones y sonidos industriales, cada vez que se estrena una nueva obra de su director favorito.

   Pues bien, yo debo ser uno de sus más fanáticos integrantes, ya que espero con expectación los, ya inminentes, nuevos capítulos de la tercera temporada de Twin Peaks, dirigidos, según parece, todos ellos por Lynch en persona, con los personajes de la serie original y la incorporación de una cantidad importante de cameos y nuevos habitantes de la extraña y enigmática localidad de las montañas gemelas. Todo ello aderezado con la sinuosa música compuesta por Ángelo Badalamenti y el mítico tema de Laura Palmer a la cabeza.

   Ni que decir tiene que el estreno de la serie supuso un antes y un después en la historia de la televisión, influyendo en numerosas series y películas posteriores y sobre todo en la forma de afrontar el formato televisivo, tanto a nivel de guión como de puesta en escena, hasta entonces inédita. En España la serie en su día fue cruelmente maltratada, con una desastrosa emisión a cargo de un no menos desastroso canal de televisión que se "inventó" un esperpéntico, bochornoso concurso televisivo en el que se invitaba al sufrido espectador a adivinar la identidad del asesino de Laura Palmer, como si de una obra de Agatha Christie se tratara. Obviando de esta manera la verdadera intención de los responsables de la serie, para los que el asesinato de Laura Palmer no era más que una excusa o (con permiso de Hitchcock) un "McGuffin" que diera paso al desarrollo de los personajes, nuevas tramas y misterios surgidos a partir asesinato.   

   Recuerdo que en 1990 se editó en España en vídeo VHS el episodio piloto de la serie con un final alternativo, totalmente enigmático y delirante, con Bob, el "ente" maligno, completamente desatado y vociferante, entre llamaradas y flashes de luz, que se tituló "Asesinato en Twin Peaks".  Lo sé, porque alquilé el videocassette antes de que se estrenara la serie. Ya entonces era un fanático de Lynch, tras haber quedado fascinado con "El hombre elefante", "Dune" y "Terciopelo azul", también con Roy Orbison y su rescatada y bella canción "In dreams" que aparece en "Blue Velvet", en la memorable escena del fantasmagórico karaoke en casa del proxeneta interpretado por Dean Stockwell. Maravilloso el disco póstumo de Orbison: "Mystery girl", y todo gracias, en parte, a Lynch..., y a la aterciopelada y extraordinaria voz del gran Roy Orbison. 

   Lamentar, una vez más, el penoso recibimiento, entre gritos y abucheos de la continuación de la serie en formato de película, "Twin Peaks: Fire walk with me". Estrenada en el festival de Cannes de 1992, fue un rotundo y cruel fracaso (históricos los abucheos de una crítica obtusa y miope) que sumió al realizador en un inmerecido ostracismo de varios años antes de poder volver a rodar su siguiente película. Todo por ser fiel a un universo y estética particular, que él mismo había creado. Excesiva, delirante, terrorífica, incomprensible, cómica, ridícula y fascinante, todo a un tiempo, la película ha pasado con nota el examen del tiempo. Hoy es considerada una obra de culto. Como toda la obra de Lynch.

 

(1) "The Lynch mob" por Guillermo Cabrera Infante, Revista "El Paseante", número 17, Ed. Siruela, 1990 

 

 

 

A propósito del estreno de "Alien Covenant":

 

Algunas preguntas y reflexiones sobre "Alien: el octavo pasajero" 

 

 

1.  En realidad Alien es el noveno pasajero, los traductores de la película se olvidaron de incluir en su cómputo de la tripulación al gato Jones o Jonesy, como lo llaman sus infortunados compañeros de viaje, que es realidad el octavo pasajero del título en español de la película.
2. ¿De quién es en realidad el gato Jones? Todo parece indicar que es de Ripley, aunque la película no lo explica del todo, el espectador interpreta que  puede ser de Ripley, porque se empeña en llevárselo consigo cuando ve la oportunidad de escapar del Alien, siendo los dos únicos supervivientes del Nostromo.
3. Por lo que sabemos de las animadas charlas de la tripulación alrededor de la mesa en las comidas (todo un acierto de la película en su convincente cotidianidad), los alimentos de la nave no son muy buenos, siendo el café, al parecer, "lo único bueno que hay en la nave".
4. En una de estas reuniones, justo antes de que Dallas les comunique que tienen que realizar una operación de salvamento inesperada, Ash está sentado por error en el puesto de Parker, éste se lo advierte, cuando el asiento queda libre, Parker, papel que interpreta con maneras del Bronx, Yaphett Kotto, lo limpia ostentosamente con la mano. Ash no cae bien, por lo menos a Parker y por lo tanto tampoco a Brett, luego sabremos que Ripley desconfía también de él.
5. Fumar no está prohibido en la nave, Lambert fuma, también lo hace Brett (tabaco?). No sabemos si hay zonas para fumadores y no fumadores en el Nostromo.
6. Kane, interpretado por John Hurt, es el primero en despertar del letargo espacial, también es el primero en morir, al "nacer" el bebé Alien a través de su pecho.
7. ¿Qué son los "microcambios de la densidad del aire"? Según Ripley, una tontería.
8. La nave alienígena diseñada por el artista sueco H.R. Giger, tiene una extraña forma orgánica, los exploradores que se internan en el planeta, acceden a su interior a través de unas aberturas en forma de vulva femenina. Las paredes del interior de la nave tienen forma de costillas, como si estuvieran en las entrañas de un gigantesco animal.
9. Toda la película está llena de sutiles referencias sexuales, algo completamente ausente en sus secuelas, a excepción de los dos últimos títulos dirigidos por Scott.
10. Al morir Dallas, Ripley al ser la segunda oficial, asume el mando. Al acceder a la sala del computador central (llena de lucecitas) que controla la nave: "Madre", descubre la verdadera naturaleza de la misión y que todos habían sido engañados y sacrificados por la malvada Corporación en complicidad con el oficial científico Ash, que la sigue a la estancia. Lo cierto es que Ripley se zafa fácilmente de Ash  e intenta huir del lugar. A continuación la vemos sangrar por la nariz, puede que sea por el shock al conocer su condición de tripulación sacrificable.
11. La sangre roja que brota de la nariz de Ripley contrasta con el blanco lechoso del "sudor" que desprende Ash y que corre por su rostro, justo antes de enloquecer del todo.
12. Ash, a pesar de su tamaño, mucho más bajito que Ripley, es capaz de lanzarla al otro lado de la estancia, ¿es tan fuerte porque es un robot, "un maldito robot"?
13. Acto seguido intenta asfixiarla de una manera un tanto extraña, penetrando su boca con una fálica revista enrollada.
14. ¿Se apiada finalmente Ash de los últimos supervivientes, cuando una vez desmembrado, lo conectan para averiguar cómo acabar con el Alien? O estaba de cachondeo cuando les dice que a pesar de no tener ninguna posibilidad de vencerle, "contaban con su simpatía", (siempre en la versión doblada, los no muy elaborados subtítulos de su versión en DVD, lo traducen como "os doy el pésame")
15. Cuando Parker muere intentando salvar a Lambert, que interpreta de manera más que convincente una estupenda Verónica Cartwright (Los pájaros, La invasión de los ultracuerpos), la criatura se acerca sinuosamente, bastante despacio a una paralizada por el terror Lambert, como regodeándose con el sufrimiento de su víctima. Introduciendo la espinosa cola entre sus piernas.
16. A continuación escuchamos durante varios segundos unos escalofriantes alaridos y chillidos en off a mayor gloria del sistema dolby, mientras Ripley corre por unos pasillos llenos de vapores y luces parpadeantes en unos estupendos travellings copiados en tantas películas. Cuando Ripley descubre los cadáveres de sus compañeros, podemos observar un fugaz plano de una pierna ensangrentada y desnuda de Lambert que pende de algún sitio. ¿Ha sido violada Lambert por la criatura?
17. Ripley, en genial interpretación de una impagable Sigourney Weaver, cuando se siente segura en la nave de salvamento, realiza un mítico y despreocupado striptease ante la babosa y atenta mirada de Alien.

 

 

  18.  Pero Ash no es malo, es que la Compañía lo ha programado así, en cualquier caso él y "Madre" seguirán "cotejando"...

 

 

 

   Un par de paisajes, el primero, una vista de la playa de "La Colonia" de Águilas, pintado al óleo sobre tabla, de 60x120 cm. Es de hace unos cuantos años, del 2010.

 

 





   Una vista de un curioso edificio de la calle Santa Engracia de Madrid. Óleo sobre lienzo de 100x81 cm. El edificio creo que estaba en restauración, me llamaba la atención cuando pasaba por ahí. En aquellos años solía dar largos paseos cámara en mano por un Madrid en obras constantes, también tengo unas imágenes de un cuadro que pinté de La Gran Vía de la misma época, en 2001. Óleo sobre lienzo, 114x146 cm. Los cuadros los pinté para una exposición colectiva en el Palacio de Saldaña, también en 2001.

Capítulo decimoctavo: "Composiciones con frutas y flores y algunos dibujos cinematográficos más"

 
   Hoy voy a mostrar el proceso de "construcción" de dos bodegones que he pintado recientemente, uno sobre papel y otro sobre tabla, realizados con técnicas diferentes: gouache con toques de pastel y un óleo sobre tabla. Se trata de unas sencillas composiciones con frutas, claveles y objetos diversos, (la pajarita amarilla aparece en muchos de mis cuadros, me gusta integrarla, es una manía que tengo).
   El aspecto final de los cuadros es el siguiente:

"Pajarita y mandarinas sobre la mesa". Gouache y pastel sobre papel.

"Claveles con limón". Óleo sobre tabla.

   Empezaré por el bodegón de la pajarita y las mandarinas.
   Lo he realizado sobre una cartulina levemente verjurada y de color gris azulado claro, de 70x50cm de tamaño. He empezado a pintar con gouache como se puede apreciar en la siguiente fotografía, intentando sintetizar lo mejor posible los planos de color, aplicando la pintura de manera más diluida y suelta para captar la esencia de la composición y su impronta lumínica. He dejado más indefinidas las formas de las manzanas del fondo, dando protagonismo a la copa con el paño, situada en el centro compositivo, y a la forma de las mandarinas. Intento dejar zonas libres de color para que el tono de base del papel interactúe. Al trabajar en vertical sobre caballete es inevitable que se escapen algunos "goterones" resbalando por el soporte, se pueden eliminar con facilidad con un trapo limpio (si se actúa con rapidez antes de que sequen) o, como en mi caso, dejarlos. Creo que aportan fuerza y expresividad al conjunto, siempre que no se abuse (pueden resultar demasiado efectistas):

   A continuación pinto con pastel sobre el color anterior una vez completamente seco (el gouache tarda poco en secar). Utilizo lápices y barras, esta técnica se puede aplicar casi sobre cualquier superficie, siempre que tenga algo de textura o agarre. Lo he aplicado directamente pero también con difumino, que me permite concretar con mayor facilidad las formas que me interesa destacar. Utilizo negro para el fondo, blanco y crema para la caja de pañuelos y el paño de la copa, además, el pastel una vez aplicado se puede diluir con agua, siempre con cuidado, para que no se ensucie el color, ni el tono de base preexistente. Voy dando forma al papel arrugado, a la servilleta blanca y a la cuchara, que en realidad está pintada con gouache, al igual que la cinta de papel adhesivo y su sombra proyectada de la parte inferior:

   La pajarita amarilla y las tijeras están pintadas con pastel con leves toques de gouache. Para mí es importante no perfilar demasiado la forma o contorno de los objetos para que no queden excesivamente recortados y se integren armoniosamente en el conjunto de la obra. De esta manera dejo zonas más trabajadas y otras menos, más insinuadas, que contribuyen a recrear atmosféricamente la obra:

   La siguiente composición la he realizado con óleo sobre tabla montada en bastidor de 40x40cm aproximadamente. El soporte está previamente preparado con varias capas de Gesso sintético, por las dos caras. He comenzado a pintar con óleo directamente, muy diluido con medio, de esta manera me puedo permitir trabajar más rápido y resumir tonalmente con planos amplios de color, la atmósfera de la composición, que como en el anterior trabajo, es un modelo natural sujeto constantemente a cambios y fluctuaciones lumínicas. Es por ello importante encajar y plantear tonalmente con rapidez la obra. Me muevo en una gama muy controlada de color: grises con algo de ocre y carmín, a excepción de los amarillos, verdes y bermellones de las frutas. Utilizo pinceles planos de pelo de cerda y pinceles pequeños redondos de pelo sintético para los detalles ( detalles de los pétalos y tallos de los claveles). Intento mantener un equilibrio entre zonas trabajadas de manera más suelta y otras más acabadas, con más detalle:

Es fundamental, en las primeras sesiones, captar de manera suelta, dando importancia a la pincelada y al gesto, la impresión tonal del modelo, para posteriormente ir trabajando y concretando elementos sobre esa gama tonal.

   Hay en la composición dos elementos de cristal transparente, para definirlos utilizo la misma entonación que en el fondo, es decir, tonos gris claro manchados con algo de ocre, amarillo de Nápoles o carmín, estos tonos tienen que participar también del color de la mandarina y limón próximos para que queden integrados en la obra con eficacia. Los reflejos del cristal y los brillos los dejamos para el final. Son muy curiosos e interesantes de pintar los efectos de la refracción de los tallos en el vaso y botella, ya que suelen cambiar constantemente y de sesión a sesión raramente son iguales. Con los pétalos de los claveles pasa algo parecido, para perfilarlos utilizo pinceles más finos.
    He de decir que esta vez no he respetado los tiempos de secado, con lo cual he repintado algunas zonas con la capa inferior todavía fresca, para conseguir un mejor resultado, he utilizado medio (como siempre), pero he cargado más cantidad de materia, después he trabajado aplicando algunos toques con la espátula, se consiguen efectos interesantes, por ejemplo, las sombras siempre deben estar menos cargadas de materia que las luces, se puede raspar  con las espátula dichas zonas.
   Como se puede apreciar en la imágenes he integrado una cinta adhesiva de papel (que normalmente utilizo para las reservas) en el cuadro, me gustaba su efecto final, puede que sea algo caprichoso...
  

   Poco a poco voy dando forma a los detalles, los contornos, las hojas del limón, los pétalos del clavel y los brillos del vaso y la botella. Para que el efecto del brillo sea más eficaz, repaso la superficie un poco con la espátula, alisándola y empastando después los brillos. Es interesante el contraste que se produce entre las zonas más acabadas del primer término y el fondo más suelto:

   Hay que trabajar rápido, con el calor los claveles se marchitan rápidamente. Yo los he guardado en el frigorífico de sesión a sesión para que duren un poco más. Puede que le haya dedicado cuatro sesiones de un par de horas a este cuadro:

   Ahora presento el retrato del siniestro oficial científico Ash de la mítica película de 1979 "Alien", de Ridley Scott, interpretado por el excelente Ian Holm. Actor británico de larguísima trayectoria pero muy popular entre las nuevas generaciones por su rol de Bilbo Bolsón, el "Hobbit", en las sagas de "El Señor de los Anillos" de Peter Jackson. Antes había trabajado para Terry Gilliam en las estupendas "Los Héroes del tiempo", en el papel de un acomplejado e histérico Napoleón y en "Brazil", dando vida al jefe del infortunado protagonista, un chupatintas gritón y sin escrúpulos. También ha participado en un par de películas de David Cronenberg, la inenarrable "Almuerzo desnudo" o "Existenz", además ha encarnado al mismísimo Jack "El destripador" en la adaptación del cómic de Alan Moore "Desde el infierno" de 2001.
   Y qué añadir de la extraordinaria "Alien", subtitulada aquí "El octavo pasajero". Aún hoy insuperada, mil veces imitada en numerosos engendros y desde luego, mucho mejor, de largo, que sus secuelas, precuelas o lo que sea, destacando por muy irregulares la tercera y cuarta entregas y los horripilantes cócteles de monstruos "Aliens Vs Depredador". Mejor resulta la interesante "Prometheus", se nota la mano de un director que sabe crear atmósferas, además de un increíble diseño de producción, otra cosa son ya las numerosas lagunas en su trama y su precipitado final, esperemos que, por lo menos, mantenga el tipo con la inminente "Alien, Covenant".
  
   Se trata, como siempre, de un retrato realizado con carboncillo y algunos toques de lápiz pastel sobre papel Ingres de 70x50 cm. El proceso es similar a los anteriores trabajos:

   A continuación muestro el proceso de otro dibujo a carboncillo, esta vez con un tratamiento mucho más suelto y expresivo en el uso del gesto y la línea para definir formas y ritmos. Se trata de un dibujo más espontáneo, me interesaba por su retorcida pose que recuerda  al famoso "Esclavo" de Miguel Ángel, en realidad se trata de una instantánea del cantante y actor ocasional Iggy Pop en una de sus frenéticas actuaciones. Un artista de fibrosa anatomía que es siempre muy agradecida de dibujar. He utilizado para difuminar, las manos y dedos, esponja y unos difuminos.

   Carboncillo sobre papel Ingres 70x50: 

Por último, un poco de música... cinematográfica

   Hoy voy a recomendar una sensacional banda sonora, se trata de la partitura compuesta por Nino Rota para la versión de "Romeo y Julieta" que dirigió en 1968 el italiano Franco Zeffirelli.

   Nino Rota fue uno de los creadores más sensibles y exquisitos de la música cinematográfica, famoso por sus aportaciones musicales al cine de Federico Fellini ("Amarcord", "La dolce vita") , trabajó también con otros grandes del cine italiano como, además del citado Zeffirelli, Luchino Visconti ("Rocco y sus hermanos"). Suyas son también las extraordinarias bandas de los dos primeros "Padrinos" de Coppola, y sus famosísimos temas principales, que todo el mundo es capaz de recordar.

    "Romeo y Julieta" fue una de sus más destacadas composiciones para el cine, además de una excelente adaptación del texto de Shakespeare. Su música es muy evocadora y rica en matices e instrumentación, su tratamiento es de inspiración renacentista, utilizando instrumentos de la época, pero transciende el periodo creando unos bellísimos temas para cada uno de los protagonistas y un extraordinario "Love theme", que justamente forma parte ya de las músicas más bellas de la historia del cine. Destaca además la canción "What is a youth" interpretada por Glen Weston. Existe un compacto editado por "Silva Screen Records" con diecinueve cortes y un total de algo más de 50 minutos:

   Aquí os dejo una estupenda Suite: